Quelle belle idée que cette exposition sur les fous au musée du Louvre ! Figures médiévales, teintées de religion ou figures romantiques incarnées dans la vie quotidienne, l’image du fou a toujours fasciné. La voila exposée en plusieurs tableaux, magnifiquement mis en scène. Courez la voir, enchantement garanti !

  Au Moyen-Age, il n’est pas rare de croiser des fous, gentils ou plus ou moins agressifs, ils font partie de la culture visuelle des hommes. Jusqu’ici peu étudié dans l’histoire de l’art, cette exposition remédie à cette carence et nous fascine joliment !

  Des peintres ont choisi délibérément de peindre les fols. Ceux qui rejettent Dieu, insensés sont-ils ces grotesques ou parodiques personnages ! Aux portails des églises ne voit-on pas les Vierges folles aux lampes renversées. Puis au XIII e siècle, l’amour, ses passions , ses excès provoquent la folie par sa démesure comme racontée dans les romains de chevalerie… A la cour encore, les fous distraient les rois et les princes, présence incontournable qui enchante les « grands » de l’époque.

Après le coup d’arrêt au XVIIe siècle des représentations littéraires ou picturales de la folie,  le XIX e et les Romantiques le remettent au goût du jour. 

  Figures du fou, musée du Louvre jusqu’au 3 février.

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 Cette première rétrospective en France, de l’oeuvre de Tarsila do Amaral représentée ici par 150 oeuvres, en séduira plus d’un, tant ses créations sont variées, joyeuses, teintées d’une pointe de naïveté apparente et assez visionnaires.

Evoluant entre São Paulo et Paris, cette artiste très appréciée au Brésil mais moins connue en Europe, est à l’origine d’un mouvement « anthropophagique » (1928-1929) né à Sao Paulo en 1928. Ce mouvement fait référence à la pratique indigène du cannibalisme comme « décoration de l’autre » dans le but  d’en assimiler ses qualités.

 On admirera parmi ses oeuvres, ces paysages aux couleurs vives parcourus de visions oniriques tout à fait fascinantes. La dimension politique de l’œuvre est également apparente, dans les peintures des années 1930 dont le réalisme se teinte d’une vocation sociale perceptible

Il faut se laisser saisir par ces autoportraits d’une belle pureté, ces paysages  ou le végétalse mêle à l’animal, ces portraits robustes et distanciés..Bref, une exposition à ne pas manquer qui égaiera la morosité automnale !

 Tarsila do Amaral, au musée du Luxembourg jusqu’au 2 février.

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         Deux spécialistes de la création numérique, les studios Ankama de Roubaix et Spiders basé à Lequin ont développé le concept, permettant cette conjugaison de l’histoire de l’Art et du jeu video. Une promenade édifiante et savoureuse pour admirer la superbe collection du musée des Beaux-Arts de Lille

Une quête video ludique au Palais des Beaux-Arts

Dans cet espace magnifique du Palais, sur les trois étages, les deux créateurs se sont amusés à glisser des indices un peu partout dans les salles, vrai décor d’un jeu intimement lié aux collections d’oeuvres picturales ou sculpturales. Ainsi, au centre de l’atrium, la rotonde déploie une large scène à 360°, présentant des inspirations croisées des arts et des jeux video. Pendant que la galerie d’accueil, par son beau portail, offre la découverte d’un monde parallèle où personnages des jeux des studios Ankama et Spiders font bon ménage avec la grande variété des chefs d’oeuvre.

Au sous-sol

       Saut dans le Moyen-Age et la Renaissance où des créatures de ces époques sont équipés et armés selon le style et à la recherche du trésor. La salle des plans-reliefs se transforme en théâtre du « Level Design » donnant une crédibilité magnifique à ce monde fantastique des jeux.

         A l’étage, l’écosystème du jeu vidéo apparaît sous nos yeux «  du rôle des créateurs de contenus à l’esprit de compétition des tournois e-sport, en passant par la projection illusionniste d’une séquence de jeu en surplomb de l’atrium et la mise en abîme d’une salle de peintures » comme le précise les organisateurs !

              C’est une belle trouvaille que d’avoir fait entrer les jeux video dans un musée aux magnifiques. collections. Deux mondes bien différents mais l’un éclairant l’autre, les deux se valorisant  !

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              Il était chimiste en couleurs industrielles et collectionneur. Il aida son frère Claude, chef de file des Impressionnistes et ses amis peintres. Voici réunit au musée du Luxembourg, la magnifique collection de peinture de Léon Monet. Courez-y jusqu’à la mi-juillet.

Intelligence vive et prompte, caractère cordial et franc, les qualificatifs élogieux ne manquent pas pour présenter Léon Monet ! Industriel rouennais, il s’investit dans la chimie en couleur fondant la Société Industrielle de Rouen, et par ailleurs, s’impliquant dans de nombreuses associations culturelles à Rouen.

Sa vie durant, il acheta les œuvres des peintres impressionnistes, entre autres Sisley, Camille Pissaro ou Auguste Renoir, mais aussi des œuvres de peintres de l’Ecole de Rouen, moins connues.

Une exposition variée

        Outre des recettes de couleur, des échantillons de tissus et des livres de compte de la Société de Léon Monet, vous découvrirez dessins, photos et albums de couleurs, véritable éclairage inédit sur l’intimité de la famille Monet. L’exposition présente ainsi de nombreuses œuvres majeures de Claude Monet. Apparait aussi le rôle de mécène de Léon qui toute sa vie sut encourager et aider de nombreux peintres.

Musée du Luxembourg Sénat, jusqu’au 16 juillet.

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Vraiment un art qui mérite d’être connu !     


        Parole d’expert :  » L’art aborigène contemporain puise son inspiration dans le souvenir touj  ours vivant de la création de l’Australie qu’on appelle le « Temps du Rêve » – ensemble de mythes partagés malgré une grande diversité culturelle (avant la colonisation, il y avait environ 250 groupes linguistiques aborigènes et près de 600 dialectes) par tous les Aborigènes et évoquant l’apparition de Grands Ancêtres (« Esprits-éclairs », demi-dieux, animaux, voire plantes) sortis du magma originel pour façonner le continent à leur image, donner naissance aux tribus, instaurer lois et coutumes sociales et religieuses.

Sur le point de disparaître, les grands ancêtres ont laissé aux différents clans le souvenir de leur rôle dans la Création de l’Australie : charge à elles de le célébrer et de le ressusciter lors de cérémonies rituelles.

Depuis des temps immémoriaux, a l’occasion des cérémonies célébrant le Temps du Rêve, les Aborigènes du Grand Désert Central et du Kimberley recouvraient le sol de pointillés réalisés avec des pigments naturels (craie, argile, charbon de bois, ocres) et disposés à l’aide d’un bâtonnet. C’est cette pratique qui est à l’origine de la peinture aborigène contemporaine – souvent qualifiée de pointilliste -née dans les années 1970 à l’instigation de certains Occidentaux, tel Geoffrey Bardon, instituteur anglo-saxon à Papunya qui suggéra à ses élèves de reproduire les motifs principaux des peintures sur sol réalisées en l’honneur du Temps du Rêve : d’abord sur les murs de leur école, puis sur du contre-plaqué, enfin sur toile. Diffusées, les oeuvres ainsi réalisées rencontrèrent un vif succès et donnèrent l’idée aux Aborigènes de constituer des coopératives pour commercialiser leurs toiles. Guidés par les responsables artistiques de ces coopératives de véritables talents originaux se sont révélés. C’est ainsi que des peintres comme Rover Thomas, Jack Kala Kala ou encore Emily Kame Kngwarreye ont acquis une réputation mondiale et représenté l’Australie dans de prestigieuses expositions internationales, à Paris, Venise, Londres ou New-York.

Les pictogrammes

Les aborigènes peignent par le biais de pictogrammes. En voici quelques exemples : 

Observons cette œuvre de Morris Gibson Tjapaltjarri (Untitled, 2011).

On retrouve ici les symboles traditionnels utilisés dans l’art aborigène. Les cercles concentriques font références aux trous d’eau, lieu nécessaire à la vie dans le désert, mais aussi un lieu cérémoniel.

Les traits partant des trous d’eaux correspondent aux chemins les reliant.  Les grandes ondulations noires représentent les serpents ancestraux qui en traversant le territoire ont créé des rivières et des ruisseaux.

Des nouveaux médiums

L’art aborigène traditionnellement utilise des pigments naturels qu’ils confectionnent eux-mêmes. Ils ont commencé depuis plusieurs décennies à utiliser l’acrylique qui est moins fragile que les pigments.

De différentes collaborations sont nées des nouvelles manières de travailler et de nouveaux médiums. Par exemple, les ghostnets, fait en filets de pêche récupérés sur la plage, ou encore les céramiques.  »

      Un immense merci pour cette découverte d’un art qui m’était jusqu’alors bien étranger ! Et quelle découverte ! Courrez vite dans cette galerie ,

Galerie Arts d’Australie Stéphane Jacob, 13 rue Chapon 75003 , tel : 01 46 22 23 20, www.artsdaustralie.com, sj@artsdaustralie.com

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          L’incontournable salon de tous les acteurs liés au Patrimoine permettra, en cette fin octobre, des échanges fructueux et indispensables entre tous. Cette année, le thème retenu sera le développement durable à travers les réalisations de restauration, réhabilitation et enjeux de performance énergétique.

C’est un lieu où chacun, exposants venus de l’étranger et de toute la France comme visiteurs, pourra échanger avec son voisin et découvrir ou compléter ses connaissances dans un univers lié au Patrimoine.

Les métiers d’art, liés à la matière (le verre ou le bois, le vitrail ou la pierre…) exposeront leur découverte quand aux procédés innovants, aux nouveaux matériaux utilisés dans le respect de l’environnement.

Le patrimoine bâti des villes comme celui des campagnes sera valorisé à travers les gestes des artisans qui savent faire cohabiter les procédés traditionnels comme l’utilisation de pratiques innovantes. Ainsi, sur le salon seront présents parmi la centaine d’ateliers et de manufactures, des fabricants de tuiles, spécialistes de la terre cuite, bronziers d’art, restaurateurs de meubles, créateurs d’objets d’exception, architectes du jardin, spécialistes de la conservation du patrimoine bâti.. Tous animés du même souci : le respect de la nature et la volonté efficace du développement durable, malgré quelques difficultés inhérentes.

Difficultés notoires

Car comment préserver le tissus urbain tout en valorisant la reconstruction du bâti ancien ? Comment améliorer le confort thermique sans nuire au caractère des édifices restaurés ? Protéger les paysages à l’heure où l’éolien déferle sur la France ?

La réalité se heurte parfois à la modernité et aux exigences actuelles..
Bref, sur ce salon vous trouverez des réponses à vos questions, rencontrerez des spécialistes dans tous les domaines liés au Patrimoine..

27 e Edition, Salon International du Patrimoine Culturel, 300 exposants au Carrousel du Louvre, du 27 au 30 octobre.

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              Cet été, les visiteurs sont invités au château de Vaux le Vicomte pour admirer une nouveauté inédite : les cuisines mises en scène par Vatel pour servir Fouquet, portrait en dessous. Vaux, l’incarnation du génie du grand siècle. 

                Vatel n’est pas le cuisinier qu’on croit, il fut mieux que cela ! Un magicien, vrai chef d’orchestre, au service de la table de son maitre Fouquet pour servir le roi de France Louis XIV. Il contribue par son génie au raffinement du grand Siècle.

Et pour se faire, les cuisines ont été magnifiquement restaurées, la table dressée pour proposer « l’ambigu » .

Kesako l’ambigu

                  Le mot désigne un souper-collation où tous les mets chauds et froids, sucrés et salés sont présentés sur une vaste table, dans une harmonie parfaite bien faite pour surprendre l’invité, le séduire, lui donner envie face à tant de merveilles. S’y ajoute un jeu de lumière par les girandoles, les luminaires de bougies et autres bougeoirs, chandeliers et bras de lumière. Et la vaisselle précieuse, la verrerie en cristal, l’argenterie, les nappes… De quoi forcer l’admiration et impressionner les convives. C’est ce qui arriva aux 600 invités de la réception de Nicolas Fouquet le 17 aout 1661 qui se pressaient autour du roi et de la reine Anne d’Autriche. Au plaisir de l’oeil et du palais, s’ajoutait celui émanant des 24 violons disposés alentours

L’historienne de la gastronomie du Grand Siècle, Dominique Michel

                   A beaucoup contribué à la réussite de ces mises en scène gastronomiques. Le visiteur se plonge dans les coulisses de la fête et écoute tout surpris et ravi, le discours du comédien, incarnant Vatel. Il explique ses créations, des idées, son audace pour éblouir le roi et la cour. L’enjeu est de taille, il s’agit pour Fouquet, d’honorer le roi par sa mugnifence ! Et voilà le grand Vatel qui répète… Bruit, odeur, brouhaha, exclamation, bruit de couteau qui tranche, coupe et dissèque, volailles, cochons, perdreaux, sangliers ou chevreuils.

L’oeil se perd dans la montagne de marrons glacés, les pyramides d’écrevisse, les monceaux d’huitres fraiches.

« Par leur luxe et par leur opulence, ces ambigus traduisent la richesse et la grandeur du maitre de maison » explique Dominique Michel.

Le génie de Vatel

                Par sa créativité, son sens de l’harmonie des mets et des saveurs, François Vatel contribua largement au cours du XVII e siècle, au développement de l’art culinaire et du service à la française. Il fut un maitre d’hôtel remarquable, créant des fêtes gastronomiques inégalées par le jeu des alliances, présentation et audace culinaires. Confident et homme de confiance de Nicolat Fouquet, il veillait aux achats, aux réserves alimentaires, organisant les déplacements et le déménagement des meubles, vaisselles, veillant à la conduite des travaux des diverses demeures de son maitre à Saint Mandé ou à Vaux…

         Chateau de Vaux le Vicomte:  animations pour les enfants, concours du plus beau déjeuner sur l’herbe…

Journée spéciale le 26 juin, journée Grand Siècle, venez costumé en XVIIe siècle, les danses baroques se mêlent au spectacle de mousquetaires.

Et tous les samedis soirs de mai à octobre, visite unique du chateau et des jardins éclairés à la bougie, plus de 2000 bougies

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Il nous enchante par le mouvement, l’agilité, l’élégance qu’il donne à ses portraits, ses scènes de vie intérieure ! Mais qui est Giovanni Boldini ? Né en 1842, à Ferrare en Italie, d’une famille nombreuse, il est initié à la peinture par son père peintre et restaurateur. Très vite repéré par son talent, il s’installe à Florence pour compléter ses études. Au contact du groupe des Macchiaioli, peintres influencés par les impressionnistes qui préconisent la fraicheur et l’instant, il fait ses classes, se liant avec  les peintres influents de l’époque.

A Paris en 1867, il voit l’Exposition universelle, connaît Edgard Degas, Edouard Manet, Sisley, Caillebotte et admire Jean-Baptiste Corot. Il s’installe enfin, à Paris en 1872, prend un atelier place Pigalle, travaillant avec le marchand d’art Adolphe Goupil. C’est à ce moment qu’il commence à portraiturer le Tout-Paris, expose au Salon et vend ses tableaux très avantageusement.

C’est par ses rencontres d’artistes européens, ses voyages nombreux en Hollande, en Espagne, au Maroc et ailleurs qu’il puise une forme d’inspiration dans sa peinture. Il retourne ponctuellement en Italie comme à Florence où il réalise son autoportrait pour la Galerie des Offices. Au début du XXe siècle, il produit nombre de portraits et paysages. Puis, sa vue s’affaiblit, il meurt en janvier 1931, laissant des œuvres figurants dans les plus grands musées du monde, comme au Metropolitain à New York, la National Gallery à Londres, le Musée d’Orsay à Paris…

Son œuvre

150 peintures, dessins, quelques robes du soir et accessoires de mode sont présentées également. A travers ses oeuvres, on découvre un Boldini non seulement portraitiste chic et mondain, mais aussi un  artiste plus secret, original, à contre-courant d’un mouvement avant-garde tout en restant moderne. Car il savait travailler  discrètement et explorer d’autres facettes de la peinture.

Par ses relations, ses amis, il met en scène cocottes comme duchesses, grande bourgeoise ou paysanne au potager, sans oublier des portraits d’hommes du monde, voir son célèbre portrait du comte Robert de Montesquiou.

Son grand ami Sem, caricaturiste célébrissimme aussi en son temps, décrit à merveille son style :

« Ses femmes crispées, arquées, retournées sur des sofas de satin blanc, nacrés comme des ventres de poisson, ont des torsions de truites au bleu au sortir de l’eau bouillante. »

Bref, lisez Proust et courez voir l’exposition Boldini, vous passez un moment exaltant.

Boldini au Petit Palais, du 29 mars au 24 juillet 2022.

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Un peintre aux multiples facettes, décorateur de théâtre et de danse, costumier, dessinateur de mode et illustrateur, Christian Bérard, enfin réhabilité pour la première fois depuis 40 ans, s’expose à Evian, dans une magnifique rétrospective !

Auto portrait de Christian Bérard


 Il est né avec le siècle dernier en 1902, mort en 1949, entre vie mondaine et bohème, passé de la coqueluche du Tout Paris à un relatif oubli, il est enfin retrouvé et présenté aux amoureux du Beau. Il a servi, par ses dessins, crayons et autres modèles, Roland Petit comme Jean Cocteau, Jean-Louis Barrault comme Louis Jouvet. Scénographe du théâtre de la mode ou conseiller de Christian Dior ou Elsa Schiaparelli, il néglige un peu ses pinceaux malgré une bonne formation à l’académie  Ranson.

Pourtant ses portraits  plaisent par leur justesse et leur subtilité : « on se saurait imaginer un art plus profondément humain et mieux fait pour nous rassurer sur les destinées de la peinture », écrit dans Vu, en juillet 1932, Jean Gallotti.

Peintre, profondément.

La peinture était sa vie, il voulait s’y consacrer totalement, mais les circonstances l’ont amené à se disperser. Plus que les natures mortes ou les paysages, il fut un excellent portraitiste, saisissant l’expression, le mouvement, le caractère des hommes. Entre 1920 et 30, Christian Bérard va exposer dans de nombreuses galeries parisienne, chez Bonjean, Vignon, Druet..puis plus tard à New York.

Bérard, le théâtre, le ballet

L’artiste va parrallelement prêter ses pinceaux à divers metteurs en scène tels que Cocteau dont il imaginera les décors et costumes pour  la Voix humaine en 1930, la Machine infernale en 1934, les Monstres sacrés en 1940… Pour Louis Jouvet dans l’Ecole des femmes, en 1936, l’Illusion comique en 37, la Folle de Chaillot de Giraudoux en 1945…

Il collabore aussi avec grand succès, à la réalisation de costumes et décors de différents ballets. S’essayant également avec talent  au dessin de mode à paraître dans les revues sélects comme Vogue ou Harper’s Bazaar.
Et comme cet homme talentueux était aussi ecclectique  que fameux, il décora avec merveille les appartements d’une riche clientèle du couple Noailles à Marcel Rochas et même François Mauriac.

Et last but not least, Christian Bérard illustra des couvertures d’ouvrages comme le roman Babylone ou  Opéra de Jean Cocteau et de nombreux écrivains.
Bref, cet artiste, resté trop longtemps dans l’ombre, méritait bien cette magnifique exposition à Evian, au théâtre de la Vie.

Christian Bérard, du 5 au 22 mai 2022, au Théâtre de la Vie à Evian.

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       « Inviter le visiteur à un voyage de sensations  avec la découverte d’œuvres de natures diverses…, rassemblées par un regard commun. » explique Dominique Gagneux, conservatrice en chef du patrimoine et directrice du musée d’Art moderne de Fontevraud.

      Car dans ce parcours muséal, dans la disposition des statuettes, tableaux et autres objets antiques ou extra-occidentaux, rien n’est au hasard, tout est pensé et voulu par la directrice, dans un souci de dialogue cohérent, de conversation presque intime entre les œuvres.

Dialogue imaginé

    Ainsi,  voit-on rapproché grâce à la sensibilité de Dominique Gagneux, un dignitaire sumérien et une peinture de Maurice Martinot, une statue japonaise et  un saint du Moyen-Age, une tête égyptienne et un portrait de Van Dongen…Et ces conversation thématiques laissent pantois d’admiration les visiteurs. Mais, la directrice ne se laisse pas enfermer, qui joue aussi des associations inédites, des conversations thématiques, des rapprochements dissociatifs  ..
Il fallait trouver une clé , elle a trouvé La Clé.

Déjà, le choix de l’endroit, une Fannerie.

       Les fondations de cette Fannerie,  située dans la cour d’honneur  de l’abbaye, datent du XIIe siècle, reconstruit à la fin du XVIII e siècle par la dernière abbesse Julie d’Antin. C’est là, à l’étage, que le foin était remisée. L’abbaye servit ensuite pendant longtemps de prison et c’est dans la Fannerie que l’on stockait le grain, puis, dès 1828, le rez de chaussée accueillit les fours de la boulangerie. La prison fermera ses portes en 1963. Douze  ans plus tard, l’abbaye devient Centre culturel de l’ouest et résidence d’artistes. En 2018, la Fannerie est officiellement décrétée lieu d’affectation de la collection Cligman.

Constituée depuis plus de soixante ans,

       


La collection recèle des peintures, dessins, sculptures des XIX e et XXe siècle et aussi des antiquités et des objets d’art extra-européens. Une collection d’un grand éclectisme, surtout figurative.

                   « Les objets de cette collection, poursuit Dominique Gagneux, trouveront leur place dans un principe d’accrochage qui autorise toutes les combinaisons : les espaces sont conçus pour que puissent se faire et se défaire conversations, dialogues, conciliabules et autres connexions. Le musée pourra accueillir toute interprétation de la collection comme une partition musicale où les variations seront multiples et révéleront des affinités électives de tous ordres ».

Musée où l’œuvre d’art est valorisée pour ses qualités intrinsèques

    « Souhaitons, termine t’elle, que ce nouveau musée puisse suggérer une relations aux œuvres souvent inconnue du public et qu’il pourra s’approprier, inciter ses visiteurs à libérer leur regard, à identifier un rapport à l’œuvre d’art très personnel, qui pourra être la démarche de tous. » .

  Bref, gageons que ce musée, original dans son approche  libre et intuitive, ouvrira les yeux des visiteurs sur une disposition à nulle autre pareille qui magnifie chacune des œuvres !

www.fontevraud.fr

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